ARTISTxS SELCCIONADOS 2024
JURADO
Jazmín ra (CL)& hester draycott (uk-cl) /
Diana soria (MX) / monica galvÃo (BR) / Alejandra Dorado (Bo)/ víctor martínez (mx)
LISTA COMPLETA DE SELECCIONADxS
-Neyen Pailamilla “Mongeley Taiñ Dungun»
-Quintín Rivera Toro “América” – 2022
-Roma Vaquero Diaz “Acción para acariciar las montañas II” (Dos cóndores)
-John G. Boehme “Health”
-Laura Riaño Cabrera “Entre Cada Amanecer – Roca del Sol”
-Juan Carlos Cervantes Perez “Obra en construcción Autoabismo”
-Alexia Miranda “DESHOJAR”
-Noel Molloy “WE ARE ALL CENSORED”
-Isabel León “Poesías”
-Yuzuru Maeda “Perfect highlight”
-Dimple B Shah “Silence of the Fury”
-Jochi Muñoz “¿…en qué recodo del camino?”
-Sara Não Tem Nome “The promised land is not on Earth”
-Shao Ye “Cloud of Dust”
-Edinson Leonel Silva Mantilla y María A. Martínez Wandurraga “Desde las sombras” Vf
-Catalina Paz Rozas Palma “Choque”
-Victoria Eliana Jaffe “Agua Dulce”
-Peter Baren “THE WEIGHT OF LOVE [RAGE AND TIME AND HOPE]”
-Christine Brault “Ecos Transfronterizos”
-Shaokao “Chinese characteristic”
-Frank Bready “Las fronteras las inventaron los malos”
-Frida Alfonsina Escobar Santiago “tlalli nantli ,ñuke mapuæ”
-Johannes Christopher Gerard «Un significado que debe ser oculto-revelado»
-Fredy Clavijo “Desde el silencio”
-LaColectiva “Lo dejamos por escrito” (Rosabel Martínez, Yadira Polo, Gloria Martha Pérez, Gloria Inés Cárdenas, Lina María Quintero, María A. Wandurraga, Klaudia Amorocho)
-Bartolomé Ferrando Colom «Haz de voces»
-María A. Martínez Wandurraga “Caminos”
-Carola Etche “Transmutar”
-Diego Alejandro Garzón “Tac Tac Diablo”
-Maria Florencia Heller “La sub version de los espacios”.
-Marlon de Paula “El entierro del buey”
-Juli Puch – «Anonymous Confession / Confesión Anónima»
La MUESTRA VIRTUAL 2024 permaneció publicada desde el 2 de Noviembre 2024 al 2 de Febrero 2025
Neyen Pailamilla
Captura de “Mongeley Taiñ Dungun»
SINOPSIS
Mongeley taiñ dungun es un video performance que aborda cuatro áreas de gran importancia para el pueblo mapuche: la lengua, la medicina ancestral, la historia y la explotación de la tierra. Este tejido visual se lleva a cabo a través de un cuerpo mapuche que exhibe estos hitos y los manifiesta a través de su propia condición de ser señala de como mujer, mapuche y heredere de la diáspora.
BIOGRAFIA
Neyen Pailamilla es artista mapuche queer y trabaja con performance, prácticas textiles y formatos audiovisuales. Inspirándose en su identidad mapuche, la utiliza como base para reflexionar sobre aspectos tanto personales como contextuales. Pailamilla es becarie de Eyebeams Democracy Machine Scholarship y ha sido invitade a residencias en Alemania y Suecia (IASPIS). Su obra forma parte de varias colecciones, entre ellas la del Museo Ludwig de Colonia (Alemania) y la del Museo Nacional de Bellas Artes de Santiago de Chile. Es estudiante del Master Transdisciplinary Studies in the Arts en la
universidad de artes de Zürich Zhdk. Actualmente vive y trabaja en Zürich, Suiza.
Quintín Rivera Toro
Captura de “América»
SINOPSIS
“América” con acento, es un concepto multidimensional y universalista, que engloba los problemas fronterizos, políticos y filosóficos de pertenecer o ser excluido. El Humano Mutis arruga la palabra hasta quedar como un papel descartable para la basura.
BIOGRAFIA
Quintín Rivera Toro was born in Caguas, Puerto Rico in 1978. He holds a B.F.A. in Sculpture from Hunter College, New York – 2001; a B.A. in Communications and Film Studies, from the University of Puerto Rico in Río Piedras – 2007; an M.F.A. in Sculpture from the Rhode Island School of Design in Providence, Rhode Island – 2013; and Ph.D. in Art Production and Investigation with the Universitat Politécnica de Valéncia in Spain – 2019.
Roma Vaquero Diaz
Captura de “Acción para acariciar las montañas II” (Dos cóndores)
SINOPSIS
Acción para acariciar las montañas II (Dos cóndores) es un video realizado en una loma de Aconquija al atardecer. En él invito a la artista de performance canadiense Florencia Sosa Rey a realizar juntas la segunda parte de la Acción para acariciar las montañas I. Ubicadas en la cima de la loma, apoyamos los pies en contacto con la tierra y dirigimos la punta de nuestros dedos hacia la montaña. Cuerpo y paisaje se afectan mutuamente posibilitando no sólo la contemplación, sino también una manifestación conformada por gestos, atmosferas y ritmos.
BIOGRAFIA
Artista investigadora. Desarrolla su práctica entre la fotografía y la performance. Magister en Lenguajes Artísticos Combinados (Universidad Nacional de las Artes) y Licenciada en Arte Escénica (Universidad Nacional de Rosario). Actualmente participa de la clínica de Arte, Bioestetica y Ambientalismo en
MUNTREF, coordinada por Pablo La Padula, y del Laboratorio de fotografía y performatividad con Suyai Otaño. Cursó Clínica Manglar coordinada por Andrés Labaké en Galería Acéfala (2023) y formó parte del Programa de Artistas de Galería Gachi Prieto (2021). Participó en residencia Curadora, Santa Fe (2023); Raíces, Catamarca (2022); R.A.R.O. Madrid (2022); Escuchar la fotografía- Galería Artexarte, Bueno Aires (2021); La Flecha, Capitán Sarmiento (2020 – 2019); Originario, Cura Malal (2018). Realizó exposiciones individuales: Cuántos cuerpos entran en un cuerpo, Galería Olla Roja, Buenos Aires (2022);
No somos territorio de conquista, Museo Provincial de Bellas Artes Emilio Pettoruti, La Plata (2019); La Cosahecha, Museo de la ciudad, Pergamino (2012). Sus proyectos recientes se exhibieron en Galería Acéfala (CABA), Museo del libro y de la lengua (CABA), Can Basté (Barcelona), Centro de Arte Maristany (Barcelona),Quinta del sordo (Madrid); Galería Gachi Prieto (CABA); Centro Cultural Kirchner (CABA); Cherry Street Pier (Filadelfia); Museo Provincial de Bellas Artes (La Plata); Espacio Idea MEC (Montevideo); Centro Cultural de la Memoria Haroldo Conti (CABA); Museo Jacobo Borges (Caracas); Centro Cultural San Martín (CABA). En 2020 publicó el libro Cuántos cuerpos entran en un cuerpo (Editorial Flanbé, 2020). Desde 2017 dirige la plataforma y archivo Mundo Performance. Vive y trabaja en Buenos Aires.
John G. Boehme
Captura de “Health”
SINOPSIS
His practice is deeply rooted in exploring social and political themes through a multidisciplinary approach, blending elements of visual art, live performance, and critical pedagogy. Boehme’s performances challenge and engage audiences, prompting them to reflect on issues such as power, identity, and societal norms. As an educator, he has inspired students, fostering creativity and critical thinking in the next generation of artists. His role as a curator further amplifies his impact, as he carefully selects and organizes exhibitions and performances that provoke thought and dialogue.
John G. Boehme’s work has been featured in numerous prestigious biennials, galleries, venues and festivals worldwide, underscoring his international influence. His contributions extend beyond his performances; through his teaching and curatorial work, he creates spaces for meaningful artistic exchange and transformation.
As a multi-hyphenate, Boehme embodies the versatility and depth of contemporary art practice. His ability to seamlessly navigate and integrate various roles within the arts not only highlights his diverse skill set but also his commitment to fostering a rich and dynamic cultural landscape. Through his multifaceted career, John G. Boehme continues to push the boundaries of art, education, and curation, making a lasting impact on the global arts community.
As a multi-hyphenate, Boehme embodies the versatility and depth of contemporary art practice. His ability to seamlessly navigate and integrate various roles within the arts not only highlights his diverse skill set but also his commitment to fostering a rich and dynamic cultural landscape. Through his
multifaceted career, John G. Boehme continues to push the boundaries of art, education, and curation, making a lasting impact on the global arts community.
BIOGRAFIA
HEALTH-like lard begins as a warm, translucent physical fluid that slowly solidifies at minus thirty
degrees Celsius into an opaque, buttery phlegm-like wall obscuring eye contact with the viewer until the
technology recording the performance ceases to work.
(performance length 16:00 minutes)
Laura Riaño Cabrera
Captura de “Entre Cada Amanecer – Roca del Sol”
SINOPSIS
Cada amanecer era un encuentro con la energía mística, vital y anhelada del Sol, siendo tocadas las existencias por la luz y el calor que desde hace millones de años ha vinculado los tiempos, lugares, materias y vidas de este planeta, de esta parte del universo. Desde la Vereda San Francisco (en San Bernardo, Cundinamarca, un territorio con visibles huellas del simbolismo católico) mirando el valle me pregunto… ¿Dónde/cómo se aloja el conocimiento del territorio? ¿Cómo me acerco/ presento/ accedo a él? a aquello que mis ojos ignoran y mi saber –¿acaso impregnado por una racionalidad instrumental?- desconoce…
“[…] para la tradición, las rocas significan sabiduría y el baúl donde por muchas generaciones se guarda el conocimiento. Los mayores dicen que donde hay piedras hay libros, hay bibliotecas espirituales, hay mucha información.”[1]
Acudo a estas palabras como camino que tiende lazos entre pensamientos, movilizando mis acciones en búsqueda de avivar la escucha y restituir el diálogo con aquellas fuerzas/existencias del territorio a las que hemos dejado de atender. Cada amanecer, fue también una oportunidad para el intento de gestos sencillos desde los afectos, la presencia y la conciencia del cuerpo. El gesto de tejido en espiral me recordaba, en cada vuelta cíclica, que el continuar anudando solo era posible si permanecía unida al hilo que, de principio a fin, vinculaba los tiempos con el origen. Con la paciencia en la repetición de los nudos, fuertes en su acumulación, tal vez, como sedimentaciones de capas geológicas, como rocas ancestras que nos enseñan y recuerdan la transformación del territorio. El movimiento de un todo, uno y múltiple. Un cuerpo que se extiende más allá de lo que podemos percibir e incluso comprender. Señales vibrátiles, mensajes del viento que nos sobrepasan y sostienen cuidadosamente unidos, reunidos con el
sentido profundo de la vida, con otros saberes y guías ignoradas, subestimadas, temidas y/o
desconocidas.
[1] Retornando por el Camino de los Antiguos. El Sendero para Reorganizar la Vida. Documento elaborado en el marco del Convenio No. 169 de 2012, suscrito entre el Cabildo indígena Mhuysqa de Bosa y el Instituto Distrital de Turismo.
BIOGRAFIA
Laura Riaño Cabrera (Bogotá, Colombia 1997) en su práctica se hibridan las acciones, el video, la instalación, la pintura y el que hacer manual. Guiada en la búsqueda del saber de otros seres, materias y elementos que palpitan vida y transformación, sigue caminos sensibles que posibiliten decolonizar el imaginario, los afectos y el territorio, así como formas para des-jerarquizar las relaciones, el conocimiento, y a su vez, quizá, trastocar modos de ser/hacer/pensar antropocéntricos. En su proceso
se acerca al saber y la memoria presentes en la cultura material y ritual de diversos pueblos indígenas del sur del continente, atendiendo y preguntándose por los estrechos vínculos de parentesco, reciprocidad y cuidado con la Madre Tierra en sus cruces sincréticos.
Maestra en Artes Plásticas de la Universidad Nacional de Colombia (2022). Ha participado en los espacios de laboratorio y tutorías de la Fundación Cultural Waja en torno al performance, los lenguajes del cuerpo y las prácticas experimentales vinculadas a la ciudad y el territorio (2020, 2021, 2023). Ha expuesto colectivamente sus video-acciones en Galería Santa fe de noche, Bogotá (2021); Del Timbo al Tambo, en el marco del Laboratorio: Crear e investigar Por Fuera de la Línea (2022); XI festival internacional de performance Acciones al margen, Bucaramanga (2023); Festival Internacional de Performance-art y Formatos Audiovisuales (FIPFA) Buenos Aires, Argentina (2023). En 2024 fue una de las ganadoras de la Beca para Residencias Artísticas en la Fundación ArteSumapaz (San Bernardo, Cundinamarca) y de las Residencias Artísticas en Bloque Pedagógico de IDARTES.
Juan Carlos Cervantes Perez
Captura de “Obra en construcción Autoabismo”
SINOPSIS
Andando sobre una bicicleta suspendida, 34.seg (Carlos Cervantes) presenta su performance “Autoabismo”. Aferrado por no soltarse a la idea de que existen soluciones para lograr una movilidad sostenible.
La pieza de performance nace en el carril central de una de las principales vialidades de la ciudad, no es la intención detener completamente el flujo vehicular, sino que avancen por los lados y puedan observar lo que acontece, teniendo como primer mensaje un letrero que anuncia una obra en construcción, llamada Autoabismo, inmediatamente una bici de cabeza con una persona aferrándose a no caer al suelo sobre un cúmulo de autos de juguete.
A la vez que imágenes muestran parte de la cotidianidad de cómo se mueven las personas en la ciudad de León, Guanajuato. Haciéndonos conscientes de una realidad donde cada día avanza más y más una obra en construcción llamada Autoabismo.
BIOGRAFIA
34 seg – Artista de Performance
Carlos Cervantes (1996) quien desde las entrañas de la icónica Torre Andrade en la ciudad de León Guanajuato, tuvo su acercamiento a la performance en un taller guiado por Gustavo Álvarez (Cosmossfactory) ésto lo ha llevado a experimentar con diversas piezas, buscando en cada acción ese momento en el que por un instante o más, se genera esa ansiada «Estampa visual». La instalación es algo que caracteriza su obra, su gusto por construir amplía el alcance de sus proyectos. Una de sus motivaciones es la movilidad sustentable, realizando piezas con enfoque activista.
Ha participado en Festivales como Decrépito, Indecente, Cuerpxs Territorixs; en el Encuentro Internacional de Performance “Nolohagaustedmismo” 2023 en Aguascalientes Ags.México; en diversas exposiciones culturales, miembro del colectivo Perro Pateado quien documentó su pieza «Autoabismo». Recientemente fue seleccionado para exponer una pieza tridimencional el la primer Bienal Local de Arte Joven de León.
Alexia Miranda
Captura de “DESHOJAR”
SINOPSIS
La pieza es una obra de sororidad femenina que profundiza en el acto de descascarar cebollas colectiva e interminablemente, provocando una acción sonora que se intercala con el sonido del violoncello ejecutado por un músico profesional y el acompañamiento de un grupo de mujeres vestidas de negro invitadas a colaborar en la acción.
En la acción el acto de «Deshojar» es llevado al límite en un juego poético y simbólico de soltar, descascarar, dejar ir; la cebolla se convierte en la metáfora del cuerpo femenino que se descascara como una falda, capa por capa. La cebolla como símbolo latinoamericano de la cocina heredada de las abuelas, del matriarcado, es la esencia de lo oculto, es lo que esta debajo y la provocación de las lágrimas.
BIOGRAFIA
Alexia Miranda, 1975 artista multidisciplinaria Su trabajo se enfoca en los límites de las relaciones humanas, procesos de activación colectiva, tejidos energéticos y textiles, llevar el cuerpo al límite de la fragilidad para cuestionar nuestros vínculos y roles establecidos por un sistema patriarcal. Su obra ha sido expuesta en Norte, Sur y Centro América como en Europa y el Caribe. Entre sus muestras más recientes destacan : Destejer la Memoria, exhibición retrospectiva de 20 años de trabajo performático e instalativo en el Museo de Arte Contemporáneo de Querétaro, MACQ, México 2024, al igual que en el Museo de Arte y Diseño Contemporáneo de Costa Rica, MADC 2023. Fué coordinadora del Contínuo Latinoamericano de Performance para El Salvador 2020, artista invitada a la 13° Bienal de La Habana 2019 «La Construción de Lo Posible» Y Al Encuentro Hemisférico de Políticas y Performance de Las Américas, en Ex Teresa Arte Actual Ciudad de México, 2019.
Entre sus reconocimientos destacan: Primer Lugar Festival de Cine y Video Centroamericano ÍCARO, Guatemala 2009, Primer Lugar Bienal de Arte Paiz El Salvador 2005, Talento Jóven del Año, El Salvador 2008.
Noel Molloy
Captura de “WE ARE ALL CENSORED”
SINOPSIS
Repeal of the 8th referendum in Ireland on the 26th May 2018- «The State acknowledges the right to life of the unborn and, with due regard to the equal right to life of the mother, guarantees in its laws to respect, and, as far as practicable, by its laws to defend and vindicate that right.»The Eighth Amendment of the Constitution Act 1983 was an amendment to the Constitution of Ireland which inserted a subsection recognizing «the equal right to life of the pregnant woman and the unborn». Abortion had been subject to criminal penalty in Ireland since at least 1861; the amendment ensured that legislation or judicial interpretation would be restricted to allowing abortion in circumstances where the life of a pregnant woman was at risk. It was approved by referendum on 7 September 1983 and signed into law on 7 October 1983. In 2018, it was repealed by referendum. Distrust abounded so much so public Lectures/ Discussions and Debates were cancelled and not allowed and even a street Artists Mural was ordered to be painted over at an Arts Center on treat of withdrawing it’s funding. The director of the Art Center made a statement referencing this censorship as the mural was being painted over.
BIOGRAFIA
Studied Limerick School of Art and Design 1978 – 1982.
Degree in Fine Art 1982. Exhibited and created Performance throughout Ireland, Western and Eastern Europe and the U.S.A. Awards Arts Council of Ireland awards from 1991 to 2006; Americans for the Arts 1998 residence PA USA; Cultural Relations Committee Dept. of Foreign Affairs Travel award 1993, 2003; V.E.C. from 1999 to 2006; Roscommon County Council/ Arts Office, 1999 to 2024. Organized ‘Arts Cabaret’ numbering 20, 1997 to 2020, Founder of Working Artists Roscommon 1990 artists group and administrator. Member Visual Artists Ireland.
Isabel León
Captura de “poesías”
SINOPSIS
POESÍAS fue una acción creada para ser compartida en streaming para un festival de poesía visual, en una época (la crisis del coronavirus) en la que nos relacionábamos a través de las pantallas de manera habitual. El proceso creativo, concretamente en relación a las artes vivas, también tuvo que adaptarse a estas circunstancias.
Todas las acciones de esta pieza suceden en el área de la boca y aluden a la necesidad ineludible d comunicarnos, en una época en la que esa comunicación estaba muy condicionada. Son acciones en las que contrastan lo amable de algunas imágenes con lo violento de las acciones en sí.
La vídeo acción habla de la urgencia del arte, de lo poético, de la belleza, de la crítica, del humor y del
absurdo para sobrevivir en este mundo. Es una acción que produce placer y desazón al mismo tiempo, como la vida misma.
BIOGRAFIA
Isabel León, artista visual española, performer, dinamizadora cultural independiente y docente. Licenciada en Bellas Artes y Máster oficial en Producción e Investigación Artística. Su trabajo transita entre la video performance y el arte de acción en vivo, medios a los que se dedica intensamente desde 2007. Concibe la práctica artística como un acto estrechamente ligado a la vida, por lo que su obra está conectada a sus más íntimos sentimientos, pensamientos y emociones. Se interesa por lo aparentemente insignificante, el juego y el absurdo con una obra que surge del aquí y el ahora y en la que deja un espacio especial a la intuición.
Ha participado en numerosos festivales, encuentros de arte de acción y residencias nacionales e internacionales, tanto en centros de arte y museos de España como en Finlandia, Alemania, Canadá, Marruecos, Ucrania, Lituania, Ucrania, Austria o Noruega entre otros.Co-coordina el proyecto de investigación y creación EXCHANGE Live Art e imparte talleres en centros de arte, universidades y espacios independientes. Concibo la creación artística como un acto estrechamente ligado a la vida, por lo que mis obras necesitan ser sinceras y estar conectadas con mis experiencias personales y mi cotidianidad. Me interesa lo mínimo y lo aparentemente insignificante, motor e inspiración de mi trabajo, a menudo ligado a la memoria y los recuerdos, así como austero en cuanto a necesidades técnicas y materiales.
Yuzuru Maeda
Captura de “Perfect highlight”
SINOPSIS
I contemplate the concept of individuality. What if thirty individuals collectively share their perceptions, sensations, and thoughts? Imagine a scenario where a person at the rear utilizes the vision of the individual in front to navigate their surroundings. In this shared experience of senses and thoughts, they cease to exist as thirty distinct entities and instead become a singular entity or being. As this unifie being, it adapts its form fluidly in response to its environment, much like a liquid. At begging of the performance it took on a tall, mountainous shape, and as it encounters a staircase, it transforms into a more elongated form, and then it reverted back to its mountainous shape again.
If humanity could extend its individuality beyond the confines of the physical body, what possibilities might arise? It is unnecessary for us to possess items individually, to engage in competition with one another, to feel envy towards others, or to partition resources. At present, our perspectives are overly subjective due to our separation from one another which creates many urging issues. I believe that the concept of expanding individuality may offer insights into our future existence..
BIOGRAFIA
Yuzuru born in Japan, Gifu.
Yuzuru graduated from LaSalle College of Arts, Singapore in 2009 for Bachelor of the Arts program in music composition. She has embarked on performing music and improvisation and making video,installation and performance art with Zentai Art Project . In this art projects Yuzuru uses Zentai( full boy tights), the Japanese sub-culture to investigate the human conditions of identity, connections with the energy as a means to come to terms with one’s living environment. She also organizes Zentai exhibition, Zentai walk, Zentai performance with Zentai Art Festival
Recent performance in Back Art Performance Art Biennale(Bangladesh)、Asian Art Biennale (Bangladesh)、2017 Artregems International Performance Art Festival(Taiwan)、Sound art network(Singapore)
Dimple B Shah
Captura de “Silence of the Fury”
SINOPSIS
Although the Pandemic was there for one and a half years, it was not as fearful and terrible as in the second wave, especially in India. The April and May Months of 2021 were hard traumatic and horrible. It got chills to our spines when we saw mass deaths and graves in different cities of India. Cremation grounds were with the piles of Burning bodies in almost all Cities, innumerable people dying with entire families wiped out at large. The Government’s official records report around seven lakh deaths, nowhere to match the actual as per sources. It unofficially reported twenty-five lakh deaths. Cremation grounds were overflowing, graveyards had no space, floating unclaimed bodies in the river, the river beds were full of dead bodies, and some cities built massive Crematoriums to deal with the number of deaths. The smell of death was all around social media flooded with news of condolence messages and death.
Many lost many close friends and family members. The second wave had created fearful smog of death, hopelessness, and loss. The smoke from the burning pyre covered the whole country mourning was everywhere, every family under this grey cloud. The burden of loss was heavy people waited hours outside cremation grounds days and could not give a proper send-off to their loved ones with much unregistered mass cremations. This performance was a silent protest about whom to blame. The fear of Human extinction was shadowing – manmade disasters. Whom to blame? The one who leaked this virus or to one who was doing and developing this virus?
This video is about the silent anguish, agony, and misery that people experienced and encountered during the period, and the performance is about unregistered deaths and unclaimed bodies. The deep thought towards the lost soul was a silent protest to make every death count.
BIOGRAFIA
Dimple B Shah is a practicing multidisciplinary artist from Bangalore, studied at MS University, Baroda. She has worked in several International Residency Virtual Canvas International online residencies Krupa Gallery Wroclaw Poland, The Art House UK, Villa Welbreta, Germany, Space Studio, Baroda, Glasgow Print Studio UK, Printmakers Studio Mumbai & Baroda and Karnataka Lalit Kala Academy. She has been honored with National & International Awards among them ROSL International Residency UK 2019, Villa Welbreta Residency by Municipal Corporation of Munich 2017, India Foundation for the Arts grant for project 560, 2014, Afiriperforma International Residency, Lagos, Nigeria 2013, First Gold Prix in 7th Engraving Biennale, Versailles 2009, National Award, LKA, Government of India 2008, Commonwealth Arts & Crafts Award, UK 2005, Arunawaz Award 2004, Junior Fellowship, HRD, Govt.2000/2. She has been practicing, Live Performance art for the last Twenty-three years and widely performed in International performance Festivals and Biennales in Zurich, Paris, Munich, Gothenburg, Lagos, Colombo Dhaka, Pattalung, Gokseong and several cities in India. She is an active member of Transitstation, Lock Unlock Performance Art, Out of Site Chicago and Be-coming Tree.
She had solo shows in Glasgow Print Studio, United Kingdom. Sumukha Art Gallery and Kalakriti Art Gallery, Hyderabad. She had two-person shows at The Art House United Kingdom and Manchester Contemporary and her Prints performed at the show titled ‘The Weitere Weiterreichung’ in Kunstquartier Bethanien, Berlin. The 8th Guanlan International Print Biennial China 2023, Hit | Haugesund International Relief Print Festival, THE 5TH BANGKOK TRIENNALE, EIGHT INTERNATIONAL TRINNALE, SOFIA, BULGERIA Dada Fest International Festival, Liverpool and Massachusetts USA and Third International Print Biennale of Yerevan. Her works are in the collection in the University of Iowa Stanley Museum of Art and a Private collection
Jochi Muñoz
Captura de “¿…En que recodo del camino?”
SINOPSIS
Me paré sobre un montículo de piedras lajas (previamente hecho), desde donde procedí a ir conformando un camino con ellas. Una vez agotadas las piedras, las tomé de nuevo, desde la primera a la última que coloqué, y las fui llevando hasta el final del camino para ir conformando allí otro montículo. Me paré de nuevo sobre éste, y reinicié la acción de construir otro camino. Así, repetí esto un total de 6 veces, una por cada década de mi vida. De igual modo, la cantidad de piedras sumaban 60, mi edad a la sazón. La trayectoria que seguí al hacer y deshacer el camino fue circular y en contra de las manecillas del reloj.
JUSTIFICACIÓN CONCEPTUAL
Luego de leer varios textos poéticos que hablan sobre caminos, uno en particular, Permanencia del llanto, del poeta haitiano Jacques Viau Renaud, me ayudo a precisar tanto el concepto de mi pieza como la forma que habría de tomar la realización de la acción.
Permanencia, idas, amor, desamor, odio, apego, libertad, temor, arraigo, logros, extrañeza… son cosas que, en dosis distintas, son apuradas por todo transeúnte de la vida. Durante ésta, cada individuo va siguiendo las huellas de otros; se monta, por así decirlo, sobre lo que otros hicieron con anterioridad, a la vez que deja su impronta sobre la que, quizás, cabalgarán otros que vengan después Recurro al empleo del trazado circular del camino, como metáfora de las constantes y perennes búsquedas del individuo; como metáfora de las constantes y perennes insatisfacciones del individuo.
BIOGRAFIA
Jochi MUÑOZ. Nace en San Francisco de Macorís, República Dominicana, en 1954. Graduado Cum Laude en Psicología Industrial, en la Universidad Nacional Pedro Henríquez Ureña (UNPHU); realizado el Master Oficial en Artes Escénicas, de la Universidad Rey Juan Carlos, de Madrid y el diplomado en Estudios de Performance, en la Facultad Latinoamericana de Ciencias Sociales (FLACSO), en Santo Domingo. Con formación en danza folklórica, ballet y danza moderna, y con estudios superiores de música. Ha realizado diversos cursos y talleres en las áreas escénicas y del performance, y tiene en su haber diversas publicaciones. Ha participado en numerosos festivales nacionales e internacionales, tanto de danza como de performance.
Laboró en el Ministerio de Educación, impartiendo clases de Folklore, y en la Pontificia Universidad Católica Madre y Maestra, Recinto Santo Tomás de Aquino (PUCMM-RSTA), coordinando el área de danza, a la vez que impartía docencia y dirigía el grupo de Danza. Nominado durante tres años a los Premios Casandra como Bailarín (1994, 1995 y 1996). Profesor meritorio de la PUCMM-RSTA (2004). Artista seleccionado cuatro veces en la Bienal Nacional de Artes Visuales (2009, 2011, 2013 y 2023, obteniendo PREMIO en la primera ocasión), y, en dos oportunidades, en el Concurso de Arte Eduardo León Jimenes (2012 y 2014). Vive y trabaja en Santo Domingo, donde desarrolla su labor docente y de creador independiente de artes escenicas y de Performance Art.
Sara Não Tem Nome
Captura de “The promised land is not on Earth”
SINOPSIS
The promised land is not on Earth. Without a place in the world, I let go of my body and occupy other spaces. My thoughts go through walls and inhabit other beings. Imaginary borders cannot determine my steps. They won’t keep me trapped in myself. I go further. I don’t fit inside anymore.
BIOGRAFIA
Sara Não Tem Nome was born in 1992 in Contagem, Minas Gerais, Brazil. She is a master’s student in Visual Arts at EBA – UFMG. Sara works with different artistic languages, such as music, cinema and visual arts. She participated in the artistic residencies Incomodo (2011), Bolsa Pampulha (2013), Red Bull Station (2015), Poça (2019) and Casa Póça (2022).
She released two solo albums, “Ômega III” in 2015, receiving the Dynamite Award for best Pop music album, and “A situation” in 2023, sponsored by Natura Musical and included in the list of 50 best albums released in 2023, by APCA (São Paulo Association of Art Critics).
She was a member of the Tarda project, with which he released the album “Futuro” in 2020, selected for the launch show at the Som e Fúria Festival, and received the 6th BDMG Award for best short film with the work “Buraco de afundar”. She held the solo exhibition “Situações” at MMGV in 2019. He has works in the collection of the Pampulha Art Museum (MG), Red Bull and Casa do Olhar (SP)
Shao Ye
Captura de “Cloud of Dust”
SINOPSIS
The promised land is not on Earth. Without a place in the world, I let go of my body and occupy other spaces. My thoughts go through walls and inhabit other beings. Imaginary borders cannot determine my steps. They won’t keep me trapped in myself. I go further. I don’t fit inside anymore.
BIOGRAFIA
Shao Ye, graduated from Sichuan Fine Arts Institute in 2023 with a master’s degree, now lives and works in Chongqing. His media of work includes performance, video, installation and writing. He emphasizes the liveliness in artistic creation. The work of him is clean and natural, with transience.He is exploring the real «live» of art now, relying on walking through mountains and rivers to enjoy the state of solo performance, so sometimes the work does not need to be watched by the audience.
Recently Performance Live:ParallelLine—501XU Art Space(Chongqing in 2023),Wail of a Raven—10th “firewood”live artfestival (Chongqing&Chengdu in 2023),Cloud of the Dust、A Novel—17th “On the Cloud” International Performance Art Festival(Kunming in 2023), Passerby — 17th “GUYU ACTION” International Performance Art Festival(Xi’an in 2023),Fall Down—“zou He”15th Anniversary Farewell Exhibition of He Base(Chongqing in 2023),Spring Harvest、Toward to the Sun—“Narr”Biweekly Art Festival (Chongqing in 2022),A Secret—9th “firewood”live art festival(Chengdu in 2022).
Edinson Leonel Silva Mantilla y
María A. Martínez Wandurraga
Captura de “desde las sombras”
SINOPSIS
La presente pieza audiovisual se fundamenta en el principio de igualdad y en la defensa de los derechos y libertades inherentes a todo ser humano. A pesar de que los sistemas políticos y gubernamentales suelen incluir en sus agendas y propuestas la idea de promover gobiernos inclusivos, la realidad cotidiana revela una profunda brecha entre las promesas y los hechos. Las personas en situación de discapacidad, continúan siendo objeto de exclusión y discriminación en múltiples aspectos de la vida social, académica y profesional. Esta exclusión se ve agravada por la falta de oportunidades adaptadas, la insuficiencia de recursos y la carencia de formación especializada para los docentes, lo cual limita significativamente el desarrollo pleno de esta población e diversas áreas.
La pieza audiovisual que aquí se presenta explora, de manera detallada y sensible, el proceso mediante el cual un individuo con discapacidad visual congénita es capaz de utilizar su sentido del tacto para identificar, sentir y comprender los volúmenes y texturas de un objeto. Este proceso sensorial no solo le permite conectar con el entorno de una manera única, sino que también lo capacita para traducir esas experiencias táctiles en representaciones bidimensionales, empleando la técnica del grabado en relieve.
A través de un enfoque artístico, se documenta cómo el individuo crea una estampa utilizando linograbado, demostrando con ello que, a pesar de ser frecuentemente subestimada por los sistema sociales, esta población posee habilidades notables para desarrollar obras plásticas y visuales basadas en la percepción háptica.
Esta obra desafía los prejuicios sobre las capacidades de las personas con discapacidad visual y destaca la necesidad de transformar las estructuras educativas y sociales hacia una verdadera inclusión. Al revelar el potencial creativo de quienes son excluidos, promueve una perspectiva que valora la diversidad como una fuente de riqueza y fortaleza para la sociedad.
BIOGRAFIA
Edinson Leonel Silva Mantilla
Nacido en Colombia en 1981, es Maestro en Bellas Artes por la Universidad Industrial de Santander (UIS), Especialista en Pedagogía Universitaria por la Universidad de Pamplona, Magíster en Gestión del Diseño por la Universidad de Investigación y Desarrollo (UDI), y Candidato a Doctor en Ciencias de la Educación por la Universidad Cuauhtémoc. Es un artista plástico y docente de educación superior con amplia trayectoria. Ha participado en eventos en Colombia, Estados Unidos, Rusia, Italia, México, y Rumania, destacándose en el campo del grabado y la fotografía, lo que le ha valido menciones y reconocimientos por sus propuestas.
María Angélica Martínez Wandurraga
Nacida en Colombia en 1989, es Magíster en Artes Visuales por la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) y Maestra en Bellas Artes por la Universidad Industrial de Santander (UIS). Es una artista visual, ilustradora y docente, con una sólida presencia en el ámbito artístico de la región. Sus ilustraciones han sido publicadas en libros nacionales e internacionales. Ha participado en exposiciones colectivas en Colombia, México, Brasil, y Argentina, obteniendo diversas menciones por su obra visual y procesos de investigación.
Catalina Paz Rozas Palma
Captura de “Choque”
SINOPSIS
Diseñados ergonómicamente para acoger a la morfología humana, el automóvil desvincula el cuerpo de la experiencia con el exterior a cambio de protección, confort y velocidad. Tras hacer su ingreso al automóvil, la heterogeneidad del cuerpo humano se ve normalizada debido a la serialización automotriz.
Por consiguiente, aspectos marginales e inesenciales para la funcionalidad técnica del automóvil, tales como la forma, tamaño y color del modelo, adquieren una relevancia estética-simbólica ligada a la identidad del usuario, como también a los códigos del mercado.
A raíz de lo anterior, la carrocería ha pasado a ser la nueva piel del hombre contemporáneo, lisa, metálica y brillante. Desde su creación en el siglo XIX, el automóvil se ha transformado en el único cuerpo que puede experienciar por completo el espacio urbano, ya que luego de poco andar dentro de la ciudad, el cuerpo humano se encuentra con límites producto de sus propias características biológicas. Calles, avenidas, carreteras, son espacios característicos de la modernidad que anuncian al ser humano un peligro si intenta hacer ingreso en ellos por sus propios medios. Debido a esto, únicamente cuando la persona pasa a ser contenida por el automóvil le es permitido el ingreso dentro de los espacios modernos, otorgando a la carrocería la función de piel, el nuevo límite con el exterior.
El choque automovilístico es la causa de que el cuerpo humano emerja en lugares que no se encuentran pensados para su corporalidad, lugares construidos sin tener en cuenta ninguna característica antropométrica. Junto con aquello, el choque también provoca la pérdida de la apariencia común de un automóvil, abandonando su forma diseñada para responder como objeto de deseo y consumo.
En este sentido, el choque por parte de un cuerpo humano contra un automóvil lo propongo como una acción contra la normalización del cuerpo por parte del mercado, como la necesidad del cuerpo de visibilizarse desde su precariedad, fragilidad, diversidad y propia potencia, en un contexto que lo piensa no como otra cosa sino como usuario/consumidor.
BIOGRAFIA
Catalina Rozas (Santiago, 1988) Licenciada en Artes con mención en Grabado por la Universidad de Chile y en Estética por la Pontificia Universidad Católica de Chile. Ha ejercido la docencia universitaria en cursos de Historia del Arte, Gestión Cultural y Literatura y Poesía hispanoamericana.
Su investigación artística se centra en el despliegue del cuerpo humano dentro del contexto urbano latinoamericano, puntualmente en la relación que el cuerpo mantiene con ciertas máquinas y objetos que utiliza como prótesis para así poder acceder al territorio de la ciudad. Esto a través de lenguajes gráficos, performáticos y mediales.
Ha participado de diversas exposiciones colectivas, como en el Concurso Nacional Arte Joven de la Universidad de Valparaíso (2018), en el Premio MAVI/Minera Escondida (2015), en la 5a versión Concurso Joven banco Itaú (Galería Artespacio, 2020), en Galería Metropolitana (2021).
Ha sido galardonada con una mención honrosa en el Concurso Nacional de Grabado Marco Bontá (Museo de Arte Contemporáneo MAC Forestal, 2013), Primer lugar categoría Performance y el Primer lugar categoría Grabado en el Concurso de Artes Visuales Talento Joven en sus versiones 2023 y 2014, organizado por la Municipalidad de Santiago, y con el Fondart de Adquisición de Obras (MINCAP, 2020).
Sus trabajos audiovisuales la ha llevado a participar en la primera versión del programa de asesorías «Cines en el borde» organizado por la Corporación Chilena de Video (CChV) en el marco de la 15a Bienal De Artes Mediales de Santiago (2022).
Victoria Eliana Jaffe
Captura de “Agua Dulce”
SINOPSIS
Pensar en la puna. Volver al agua. Desplegar una acción. Apropiarme del paisaje. Los ojos de mar son el centro turístico de Tolar Grande. Pensar la acción dentro de esta atracción turística. Son el fondo para desplegare un mensaje, como se dispone un telón. ¿El mensaje es una premisa? Un cuestionamiento? ¿Una observación? ¿De qué sirve alzar este acento en la inmensidad cerca de la cordilla?
Operar como una minera: Análisis del sitio a explorar. Realizar la inversión. Realizar perforaciones de análisis de agua y mediciones en porcentajes sobre el nivel de minerales existentes en tierra. Iniciar la etapa explorativa para ubicar la fábrica procesadora. Pasar a la etapa de construcción. Contratar personal. Avanzar en la etapa de extracción. Ganar millones en dólares. Observar la bolsa de valores.
Operando como una minera: Conocer esta altitud por trabajo, maravillarme y salir a explorar sus alrededores. Pensar en un proyecto, escribirlo y ganar un fondo. Analizar la situación minera provincial, indagar y hablar con una geóloga. Salir al campo para conocer las necesidades ambientales y pensar en un equipo de grabación. Accionar para: ¿generar conciencia? ¿Transmitir un mensaje? ¿Para quién? ¿para qué? ¿Quiénes son los receptores? ¿sirve de algo Desdoblar una tela blanca como la sal, como el litio. Ser un acento que resuena en este horizonte. Caminar sobre la tierra de sal. Ejecutar un escrito, una frase, una premisa. Lograr una bandera. Alzar este mensaje. Sostener la premisa. (desplegar- construir- sostener) Desplegar una tela, construir un mensaje, sostener la premisa
BIOGRAFIA
Victoria Jaffe (1990, Argentina). Artista transdisciplinar, docente rural y gestora cultural. Estudio en la Escuela Provincial de Bellas “Tomás Cabrera”. Actualmente, cursa la Lic. de Artes Plásticas de la UCASal y la Diplomatura de Feminismos Comunitarios, Campesinos y Populares en Abya Yala de la UNJu. Asist a diferentes talleres de formación en: performance, fotografía, cerámica, curaduría, entre ellos, el Programa de Formación en Arte Contemporáneo-PFAC dirigido por Luis María Rojas y Romina Rosciano Fantino, y el de Arte Contemporáneo MoMA 2020 (virtual).
En 2021, obtuvo un Fondo Ciudadano de Desarrollo Salta, con el proyecto grupal “La cofradía de la mantis”. En 2022, ganó el Fondo Nacional de las Artes-Becas Creación, para desarrollar la obra de BOOM! 2023, del Museo de Arte Contemporáneo de Salta. Coordino y creo el proyecto “ELLXS/TIERRA/HUELLAS” junto al colectivo de mujeres de la Comunidad de Artistas de Salta-CASa, en el marco del 8M, en 2024.
Como estudiante gana el 1° Premio en Escultura “Lola Mora” 2015 y participa de la Bienal Internacional de Escultura, Premio Desafío “Hierro Líder”, Chaco 2014. Forma parte del Archivo Moderno Federal. Participa en residencias, muestras y salones. Es integrante de GrupaGraficaSalta, grabadoras feministas. Es Presidenta de la Comisión Directiva de la Asociación Civil CASa.
Peter Baren
Captura de “THE WEIGHT OF LOVE [RAGE AND TIME AND HOPE]”
SINOPSIS
He seems to have casted magic over the city! Peter Baren unfolds his performance on König Street. He is dressed in a straight suit, has a calm demeanor, as a gentlemen, holding a book [RAGE AND TIME – all the words are cut out] and a white handkerchief [Hope texted on it] at the same time, walking down slowly and leisurely, sometimes opening the pages and put the book against his forehead and produce a deep sigh in it. Since there are trams running on both sides of this main street, Peter walked in between the rails with his arms wide open and the first vehicle that approached slowed down and followed behind, showing the German tram driver’s respect for people and sensitive to signals.
As time progressed, there were already four vehicles behind him maintaining the same slow speed. When the opposite tram also approached him, it quickly made people feel that it was about to cause a traffic jam. At that moment, we saw Peter’s face turned to one side, his body followed and automatically formed an indicator of release. Now, all the vehicles overtook him, as if by magic, they were lost for a moment. People were applauding.
The police car also stopped beside him and asked, “Ist alles in Ordnung [Everything allright]? He nodded his head. After the police car left, Peter continued and stopped for a deep sigh in the open book and bowed to the people around. At this time, a little girl ran up to him and returned the white handkerchiefs that he dropped along the road. She held up the white handkerchiefs as if she was giving flowers. Peter seized this opportunity to kiss the gift. It was a seamless ending.
BIOGRAFIA
Peter Baren *1954. The Netherlands. Lives in Amsterdam and works on performances and other presentations. Baren is considered one of the most prominent artists in the field of performance art in the Netherlands / Stedelijk Museum Amsterdam.
The involvement of the audience is triggered by mobilizing all the senses. It cannot and should not be that the spectators leave the location unmoved. A performance by Peter Baren is not a visual spectacle, but an emotional experience / Rob Perree.
Baren studied painting at the Rijksakademie in Amsterdam from 1972 to 1977. Since his first public performance in 1980 his work has been shown frequently in the Netherlands and since the mid-eighties on an international level.
His work is often collaborative; other artists he has worked with in an early stage include artist / filmaker Stuart Sherman, dancer / choreographer Truus Bronkhorst, criminologist / poet Koos Dalstar. In 1989 Baren was a recipient of the PRIX DE ROME Art & Theatre. Baren refers to his site-specific performances as temporary explorations / exploitations. revolving around the history of mankind, cultural objects and space. Many of Baren’s pieces commemorate the notion of ritual and the way it functions in various socio-cultural contexts. This is conveyed in his art
through the use of concepts of otherness and both ancient and contemporary cultures in works that also employ body art techniques although in minimalist settings constructed with historical props.
PETER BAREN Blind Dates With The History Of Mankind Performances 1980-2013, the monography, was presented during STAGE IT! Series of presentations on performance art at Stedelijk Museum Amsterdam. Blind Dates With The History Of Mankind (2013- present), as a multi-sensory performance series, searches for a common ground between sensual bewilderment and operational suffering, challenging the constructed nature of our ideas on progress, identity and memory, derived from our social, cultural, political circumstances and exceeds territories / Peter Baren.
Selected performances and other presentations: Altered States. LIVE! Biennale. Vancouver / STEIRISCHER HERBST. Points of Reference 38/88. Graz / Fractured Bodies. TEMPTING FAILURE #18. Biennial of Performance and Noise. London / ASIATOPIA
#10. Bangkok Art and Culture Centre, Bangkok / BLURRR. 5th Biennial of Performance Art. Tel Aviv / NATIONAL REVIEW OF LIVE ART. Tramway, Glasgow / POLYPHONIX 14. Paris / FESTIVAL A/D WERF. Utrecht / PERFORMANCE TAGE. Shedhalle, Zürich / Franklin Furnace, New York / 10th OPEN ART PAF. 798 Art Zone, Beijing / BUDAPEST AUTUMN FESTIVAL – TAC Mücsarnok Palace of Exhibitions, Budapest/ III. SPOTKAN TEATRU WIZJI I PLASTYKI. Poltel Film Studios, Katowice / I NEED YOU. Kunsthaus PasquArt, Biel / STAGE IT! [Part 3]. Stedelijk Museum, Amsterdam / Préavis de Désordre Urbain #10. Marseille / VERBO. 12th Mostra de Performance Arte. Galeria Vermelho, Sao Paulo / TRANSMUTED. Ex Teresa Arte Actual, Mexico City / THE MANIFOLD [AFTER] LIVES OF PERFORMANCE. De Appel Arts Center – Theater Frascati, Amsterdam / UP-ON Live Art Festival 2008 – 2020. Lushan Art Museum, Chengdu / OVERLAPPING KASSEL. Kassel city / National Theatre of Greece, Athens / PERFORMANCE. Sao Paulo / CAMPO ABIERTO. Peras de Olmo ARS CONTINUA, Buenos Aires / PERPENDICULAR Project Brief biography of the collective, member artists, the representative, Archivist(s) or Presenting Artist(s)/Agent(s) (up to 250 words), Tiradentes / Slovak National Gallery, Bratislava / EXPANDED SCENOGRAPHY. National and Kapodistrian University, Athens /
Christine Brault
Captura de “Ecos Transfronterizos”
SINOPSIS
Dos fronteras principales del América del Norte me cruzan antes de cruzarlas, CAN-EEUU y luego MEX-EEUU en el curso de los años que pasan y de las historias vividas, escuchadas.
En constante investigación con el tema de la inscripción de las fronteras y territorios sobre y en el cuerpo, y gracias a la invitación a participar en el I Congreso Binacional de las Fronteras Norte-Sur del arte performance y las artes vivas en Tijuana, Baja California, México, inicié en 2023 el proceso de tatuaje de las líneas fronterizas CAN-EE.UU. (en Montreal por Dominique Bodkin) y luego MEX-EE.UU. (enTijuana por Momo).
Así, venían a inscribirse en mi piel esos rastros mnemónicos y geopolíticos que cruzo y que me atraviesan. Mi cuerpo por estas líneas rojas tatuadas se convierte en soporte para provocar discusiones, conexiones, diversas situaciones y reconocimientos de una frontera a otra. Estas inscripciones fueron la introducción a la acción Ecos Transfronterizos contando con aportes migrantes: ¿Qué escribes en la arena para no olvidar antes de cruzar? ¿Qué dejas atrás, que guardas para seguir adelante? Estas preguntas los hice a mis estudiantes in·migrantes en Montreal antes de viajar a Tijuana, donde me iba a realizar esta acción en la playa, al lado del lugar donde empieza el muro separando – reuniendo México con Estados Unidos.
Performance realizado en el marco del 1er Congreso Binacional de las Fronteras Norte-Sur de Performance y las Artes Vivas, Centro Cultural de Tijuana, UABC, Baja California, México, 2023. Christine Brault agradece al CALQ – Conseil des arts et lettres du Québec por haber facilitado este viaje en Tijuana.
BIOGRAFIA
Christine Brault vive en Tiohtià:ke/Mooniyaang/Montreal, Québec, Canadá. Artista interdisciplinaria, según el contexto, su trabajo se cree principalmente a través de acciones de arte de performance poéticas, artivistas y feministas. Sus investigaciones tratan de problemáticas de migración, de fronteras, de derechos humanos, de violencia contra las mujeres y contra la tierra. Desde hace más de una década, intenta crear puentes entre el sur y el norte de las Américas. Cuenta con una presencia regular en distintos países de América latina, sobre todo México, que sea por el medio de encuentros de performance, o impartiendo talleres artísticos como pre-texto a provocar diálogos, conversaciones sobre estos temas.
Sus acciones performáticas la llevan en varios festivales internacionales de performance y residencias
de artista en México, Chile, Republica Dominicana, Republica Checa, China, India, Canadá e Estados Unidos. Igualmente, ha participado en tres Encuentros del Hemisférico Instituto (Performance Art and Politics) en Montreal, Santiago de Chile y la Ciudad de México. Es candidata en el programa del doctorado Estudios y Prácticas de las Artes en la UQAM (Universidad de Quebec en Montreal) con un proyecto de investigación-creación desde el arte de performance y el artivismo, vinculado con Ciudad Juárez, México. En junio 2024, desde su propia curaduría junta con la Dra Brenda Ceniceros (UACJ) se inauguró una primera exposición en la Galería Articule en Montreal con 16 artistas de Ciudad Juárez o que trabajan allá.
SHAOKAO
Captura de “Chinese characteristic”
SINOPSIS
Through daily means, turn chalk with countless possibilities and creativity into a pile of powder; Day after day of studying, working, brainwashing news, and political propaganda, anyone can easily turn into powder in the process of grinding; Without fire in cooking, without intense pain, it is actually the most painful.
BIOGRAFIA
Ordinary Eathlings currently living in Chengdu,China.
Frank Bready
Captura de “Las fronteras las inventaron los malos”
SINOPSIS
Esta pieza pertenece a una serie de trabajos que relatan, en términos audiovisuales, mi experiencia migratoria, como en “Hombre árbol llega a Argentina, 2018”, “Suplicio, 2020”, “Blanqueamiento, 2021”, “Abatimiento de un árbol, 2024” y esta última “Las fronteras las inventaron los malos, 2024.
El proceso creativo no es líneal, surge en base a la necesidad de expresar una limitación que viola o ha violado mis derechos humanos, siendo migrante, artista, persona no blanca, etc., en este caso, he tomando en cuenta un formato audiovisual casi cinematográfico, es decir, este es el trailer de una película desde la práctica de la performance.
Expongo mi cotidianidad, en una Residencia Humanitaria en Peras de Olmo Ars Continua en Argentina, espacio que me da la posibilidad de habitar mi derecho humano de acceso a la vivienda, en medio de una crisis habitacional por falta de regulación del mercado, sin posibilidades de tener un bienestar económico. La vulneración de los derechos humanos son decisiones políticas.
BIOGRAFIA
Artista docente y chamán, trabaja y vive en Argentina. De Yaracuy, Venezuela, tierra de la Reina María Lionza, dévoto del Santo Popular, José Gregorio Hernández. La práctica artística se ha reducido a la vulnerabilidad humana y la existencia, terrenal y espiritual. Al nacer en un ambiente espiritual, concibe la obra de arte como un hecho ritual o no lo ritual como obra de arte.
Su práctica docente la lleva orientada en el dibujo y la pintura con bases en las neurociencias, para profundizar sobre el funcionamiento cerebral y en cómo la pedagogía artística sirve de reprogramación a través de la educación de la percepción: aprender a mirar el mundo. Ayudando a fortalecer el ojo crítico y reflexionando sobre nuestra ubicación en el mundo que nos rodea.
Su obra de arte es un compendio de disciplinas que se entrelazan, poemas, vídeos, dibujo y pinturas; teniendo un proceso creativo abierto y experimentando cambios según la vivencia del momento. Como artista he participado en países como Venezuela, Polonia, Argentina, Alemania, Perú, Brasil, Colombia, Chile, México, Ecuador y País Vasco. Premios: 2016, 1er Lugar en la Bienal de Venecia de Bogotá 8.0 Jurado: Gilles Lipovetsky, Nicole Joye, Ramiro Camelo & Miller Lagos. Como Colectivo Los Tales. 2021 / 2do Lugar en la nominación al Premio Alemán Walter Reuter, en la categoría de Tv y Multimedia, Como Colectivo Violencia contra Las Mujeres, trabajo: La Pandemia Invisible.
Frida Alfonsina Escobar Santiago
Captura de “tlalli nantli ,ñuke mapuæ”
SINOPSIS
Me entierro para asimilarme con estas criaturas.
BIOGRAFIA
Colecciono elememtos organicos e inorganicos para crear injertos entre ambos. Nidos tejidos o cosidos para albergar tierras y plantas
Johannes Christopher Gerard
Captura de «Un significado que debe ser oculto-revelado»
SINOPSIS
El deseo por lo inútil no consiste en perseguir la inutilidad, sino en encontrarle sentido a lo aparentemente impráctico a través de la creatividad, la crítica y la perspicacia. Pensemos en el deseo como energía, no como un vacío. Cuando el deseo está libre de las limitaciones de la utilidad, se convierte en una fuerza que nos impulsa hacia nuevas ideas y expresiones, mostrándonos que lo inútil tiene su propia productividad.
BIOGRAFIA
Nació en Colonia, Alemania, en 1959. Trabaja como artista interdisciplinario y multimedia. Actualmente
reside en La Haya, Países Bajos. Estudió en la Escuela de Grabado y Diseño de Colonia, Alemania, de
1975 a 1987, y en la Escuela de Arte y Diseño Dun Laogharie (IADT) de Dublín, Irlanda, de 1977 a 1981.
Hasta hoy ha vivido y trabajado en diferentes países de Europa, Lejano Oriente, América del Norte y del Sur, África Occidental y Australia. Desde 1981 ha participado regularmente en exposiciones, proyectos, festivales de vídeo y cine, incluidos los de toda Europa, Oriente Próximo y Medio, Sudeste Asiático, Lejano Oriente, Australia, África, América Central, América del Norte y del Sur.
Hasta 2007 se dedicó principalmente a la escultura, la pintura y el grabado..A través de la colaboración en 2014 con la bailarina Tsai Hsin-Ying (Kaohsiung, Taiwán) y el artista de performance Kao Yi (Tainan, Taiwán) durante el proyecto «Silent Crossing Border» en el Parque Cultural Soulangh en Tainan, Taiwán comienza a realizar sus primeras películas de video y piezas de performance.
A partir de este proyecto, su trabajo y sus visiones artísticas comenzaron a centrarse en proyectos interdisciplinarios, multimedia y de colaboración. Desde 2014, se han implementado regularmente proyectos de colaboración con artistas de diferentes orígenes culturales y disciplinas.
Fredy Clavijo
Captura de “desde el silencio”
SINOPSIS
Cuando el espacio es entendido como tierra, el artista se da al juego de imaginar relaciones entre las cosas que responden al orden de sus secretos, aparecen entonces el sssisseo de la serpiente pitón, protectora de Gea (tierra), y la sibila, mujer que puede ver en el futuro; aunque se advierta pronto que el futuro de la sibila en el video ya no es el mismo que se revelaba en la caverna del oráculo de Delfos, mandatado como destino por los dioses, sino otro que en manos de los hombres se presenta no solo incierto sino en ocasiones improbable.
Una mujer sola entre las rocas que hace sonar a manera de cuerno de la abundancia una pistola de gasolina, es la imagen que se nos ofrece como medio para ver en el futuro desde u entendimiento del tiempo antiguo de la tierra que viene de lo profundo, por ejemplo, de los minerales y yacimientos subterráneos. Pero también, como hemos dicho, es la imagen ante la cual nos ubicamos para reconocer un territorio ampliamente explotado y poner en duda el deseo y nuestra capacidad de adivinar lo que traerá el sonido de este cuerno.
Lo que la mujer hace sonar quiere venir desde el silencio, poniendo en evidencia todos los soplos qu nos hacen estar vivos y movernos. El video, como la tierra, es un montaje de capas sedimentadas donde es posible la vida. A veces tiembla.
BIOGRAFIA
Mi práctica artística parte de mi interés por reflexionar sobre el paisaje como un escenario geopolítico, en especial de las zonas aisladas de los centros donde se desarrollan diversas disputas por la tenencia y la explotación de los recursos que subyacen en estos territorios. Parte de estas búsquedas se centran en las relaciones que se crean entre lo rural y lo urbano, ya sea por los diferentes grados de interdependencia o de vecindad entre el mundo agrario y la vida en la ciudad. Así mismo me inquietan las relaciones que establece el ser humano con el entorno natural y cómo le asigna a este cualidades estéticas, simbólicas, arquetípicas, míticas y poéticas.
Como parte del proceso de materialización, hago uso de objetos de producción industrial que contrastó con el material orgánico, ambos extraídos la cultura material del contexto donde desarrollo cada propuesta. Algunos de esos materiales, son objetos residuales que encuentro abandonados y que se incorporan al paisaje luego de cumplir su ciclo habitual de uso. Me interesan estos vestigios, porque en ellos aparece una marca, una escritura en la materia, los cual hace que estos materiales de desecho, porten consigo, nuevos sentidos. Estas ruinas, averiadas, fragmentadas, son rastros que hablan de nuestro paso por el mundo, de nuestra manera de relacionarnos con los objetos, de nuestra relación con el entorno natural, de la fragilidad de los entornos, así como del cambio y la transformación como una constante en la vida.
La Colectiva
Captura de “Lo dejamos pro escrito»
SINOPSIS
Acción que reivindica el valor de las labores de cuidado realizadas ancestralmente por las mujeres, el fuego, la leña y su residuo, el carbón, como símbolos que perduran en los territorios o forman parte de su memoria. Le conferimos a estos trozos de madera quemada el simbolismo que representa la sabiduría, la entrega y el valor de nuestras mujeres, nuestras abuelas, nuestras mayoras para con él, “hoy”, hacer una declaración.
Alrededor del fuego, iniciamos un acto de resistencia, que busca dejar huella a través de la palabra escrita, una reflexión de empoderamiento que nos recuerde la lucha por la igualdad, por el respeto a nuestros derechos, haciendo frente a las normas impuestas por una sociedad patriarcal que nos juzga de manera diferente por ser mujeres.
El escrito se realiza sobre una pared, con el carbón que se convierte en un símbolo de resistencia y fuerza. “Lo dejamos por escrito” es una declaratoria que expresa la postura de un grupo de mujeres, que va en contra de las violencias sobre nuestros cuerpos y la forma como hemos sido juzgadas y cómo nos juzgamos. “’La pared y la muralla son el papel del canalla” reza el refrán. Lamentamos informar a los sectarios que en la pared y la muralla también escribe LaColectiva con la sororidad como impulso transformador que nos hace más fuertes.
BIOGRAFIA
LaColectiva es un grupo de mujeres artistas de la ciudad de Bucaramanga, que viene trabajando sobre el quehacer artístico en Santander y reflexionando acerca del género y sus implicaciones socioculturales; a partir de estas preocupaciones se da inicio a una búsqueda de identidad a través de expresiones artísticas que, entrando en consonancia con las experiencias propias, planteen análisis, cuestionamientos y discusiones a los roles asignados y relacionados con lo femenino, para generar conocimientos y contribuir a las transformaciones sociales de la región.
Bartolomé Ferrando Colom
Captura de «Haz de voces»
SINOPSIS
Se trata de una performance sonora en la que mediante la manipulación azarosa del alfabeto, voy construyendo sonoridades aleatorias. Algunos de estos sonidos están basados parcialmente en la lectura de las letras que voy extrayendo del casco. Otras, contrariamente, son improvisadas a partir de lo que previamente he producido. El lenguaje es fragmentario y está expuesto de modo que la pausa o el silencio, y forman parte importante del discurso. En resumen, es una pieza intermedia situada entre la música y la poesía sonora. Las palabras ya no hablan: sólo gimen, se deslizan, estallan o desaparecen. Son gritos metálicos que inciden, con otro lenguaje, sobre el acontecimiento real, queriéndose aproximar a una forma primitiva de comunicación humana
BIOGRAFIA
Ha sido profesor titular de performance de la Universitat Politècnica de València, España. Participa en multitud de eventos y festivales de performance en Europa, América y Asia, y coordina a su vez festivales internacionales de performance en el IVAM, en el MNCARS y en el EAC. Fue miembro de los grupos Flatus Vocis Trio, Rojo, y ahora de JOP, SIC, Bregues de Moixos, Trio poesía acción y dosentredos dedicados al desarrollo de prácticas creativas situadas a medio camino entre la música, la poesía y el arte de acción. Ha publicado poesía y ensayo, y ha hecho grabaciones en MC, LP y CD, así como varios DVD de performance.
María A. Martínez Wandurraga
Captura de «Caminos”
SINOPSIS
Caminos es un videoperformance que reflexiona sobre el poder ejercido sobre el cuerpo de las mujeres, el sometimiento y la obligación de tener corporalidades hegemónicas, perdiendo autonomía y control del rumbo de sus vidas. Caminos es otra forma de pensar las corporalidades, desde la rebeldía de las estrías como rastro y evidencia de la vida, nuevos caminos trazados que permitan, desde las intersubjetividades habitar y existir en el mundo sin opresión. Esta pieza es resultado de la investigación «Dibujo sentido, experiencias multisensoriales para la creación y contemplación del dibujo».
BIOGRAFIA
Colombia (1989). Magister en Artes Visuales por la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM). Maestra en Bellas Artes de la Universidad Industrial de Santander (UIS). Artista visual, ilustradora y docente. Su obra, en su mayoría dibujo, busca ser visualmente atractiva con una carga emocional y simbólica alrededor de temas relacionados con el ser mujer. A través del uso de la línea, el punto, soportes no convencionales y la ausencia de color en zonas específicas busca lograr este objetivo. Su trabajo visual está vigente en el ámbito artístico de la región. Ha publicado sus ilustraciones en diferentes libros nacionales e internacionales. Ha participado en exposiciones colectivas en Colombia, México, Brasil y Argentina. Ha obtenido diferentes menciones por su obra visual y sus procesos de investigación.
Carola Etche
Captura de “Transmutar”
SINOPSIS
Transmutar es una video performance que explora cómo rendir homenaje a mi pasado, desde afuera liberándome de lo que me dañó. Se centra en la temática de la muerte y la despedida, cuestionando cómo sería decir adiós a la persona que solía ser. Diseño mi propia sombra para celebrarla, llorarla y honrarla con flores. En mi búsqueda incansable por recuperar sensaciones y emociones en mi cuerpo, me sumerjo en un estado de vulnerabilidad y fragilidad extremo que me permite transmutar el dolor.
BIOGRAFIA
Carola Etche es Artista visual formada en fotografía y Cine (Universidad del Cine, Buenos Aires, Argentina), reside actualmente en la Ciudad de Buenos Aires, Argentina. Se formó en diferentes campos de la fotografía: en España y Argentina. En 2024 recibió la beca iberescena para la Residencia A Casa vella en Ourense, España, y Proyecto Ace le concedió la beca Together Apart #8 | MUTUALISMS.
Previamente, en 2023 recibe la beca Goethe-Zentrum/ICPA para realizar la Residencia Las Aguadas, Asunción Paraguay y también la beca Necia – Live arts Performance en residencia Poco a Poco, Oaxaca México. En el 2022 formó parte de la residencia HANGAR en Lisboa Portugal , en el experimental photo festival (fotografía analogica) Barcelona (2022) y en programa de microresidencias online FotocreativaBa Coordinado por Natheim. En el 2021 el FNA Fondo nacional de las artes) le otorga la beca capacitación. En 2020 formó parte del Programa de Análisis y Producción en Artes Visuales MANGLAR en Galería Acéfala, coordinado por Andrés Labake y del programa de microresidencias FlussLab 2020.
Ha sido seleccionada en concursos, becas y proyectos independientes entre los cuales se destacan: videoperformance ̈Ohasámava Hapykuere ̈Festival Internacional de Performance-art y Formatos Audiovisuales FIPFA(2023)Video Savotage; Premio PRODANZA (2020), selección festival Flickfair L.A,California (2020); festival internacional de Video danza Clandestinas (Neumann producoes) Sao Paulo, Brasil(2020); Festival internacional de dança IMARP Sao Paulo, Brasil(2020),Video Cápside selección Festival videoarte El Almacén de las Artes, Astillero, España(2021), entre otros.
Diego Alejandro Garzón
Captura de “Tac Tac Diablo”
SINOPSIS
Esta acción hace parte de una serie de ejercicios sonoros que he desarrollado desde el 2022 hasta la fecha, jugando con el sonido de mi voz y la percusión con un balón de basket, en diferentes escenarios urbanos, con acciones en vivo y para la cámara. Tac Tac Diablo es el registro de una performance que también fue pensada para la cámara, al momento de crear esta experiencia realizada en la Catedral Nuestra Señora de la pobreza de Pereira usando una canción del compositor colombiano Tito Cortes, con el bolero Espíritu Burlón .
Esta Acción fue interrumpida pero duró lo suficiente como para presentar la intención simbolica de un sincretismo musical y religioso que confluyen en un gesto de toma única, de percepción ambigua, percibida de forma disruptiva en relacion al contexto pero tambien buscando un ejercicio acustico de acuerdo a las caracteristicas arquitectonicas de estos templos, desde el gesto de accionar cerca del altar y frente al público como una presentación real pero efímera.
BIOGRAFIA
(Pereira. Colombia, 1980) Artista plástico. Licenciado en artes visuales de la Universidad Tecnológica de Pereira. Su trabajo abre un dialogo entre cuerpo, lenguaje (oral/escrito) y contexto, cuestionando imaginarios sociales y discursos oficiales mediante procesos que involucran una estética relacional buscando la potencia detrás de los mínimos gestos. Ha participado en festivales y encuentros de videoarte, performance, artes plásticas, en escenarios convencionales y underground. En el 2011 participó de la convocatoria Día Internacional del Migrante convocado por Tania Bruguera con la acción Musilandia.
En el 2013 gana por Colombia la representación para el festival de Videoarte Inmediterraneum. Simultaneo para seis países. En el 2016 gana la beca de Circulación nacional. II Ciclo con su proyecto La necesidad de lo inútil y la Beca Experimenta Sur del Goethe Institut y Mapa teatro. En 2017 realiza con el colectivo Traficantes una residencia artística en Matadero- Madrid y participa de Panorama Sur en Buenos Aires. ARG. En el 2018 su proyecto Mi gato no dice miau es seleccionado para el XVI Encuentro de Arte y comunidad en Quito. ECU. Seleccionado en 2020 para los XVII Salones Regionales de Artistas, Zona Occidente, Ministerio de Cultura con su videoperformance Cantos de citronela y recibe por esta misma pieza Estímulo en categoría Creación de obras Arte/ naturaleza de MinCultura- Colombia en 2021. Desde 2019 desarrolla gestos que combinan la imagen y el texto en el espacio público bajo el seudónimo de Poing.
Maria Florencia Heller
Captura de “La sub version de los espacios”.
SINOPSIS
El edificio de Telecom fue abandonado, en la zona del barrio de Santa Fe. Bogotá. La emblemática empresa de telecomunicaciones que en sus años de gloria contaba con cientos de empleadas. Hoy podemos sentir en sus amplios espacios abandonados la historia de lo que fue una industria que no hace mas que ejemplificar, los movimientos laborales en relación a la tecnología, la relación del cuerpo con las labores, y las historias personales.
BIOGRAFIA
María es artista del movimiento y sonora. En su trayectoria, practica e investiga en prácticas corporales orientales, deep listening y objetos sonoros. Explora otras formas del conocimiento, asociadas al juego, el vacío, la intuición y el aparente sinsentido. Con estas herramientas explora la información que reverbera en los objetos y lugares.
Marlon de Paula
Captura de “El entierro del Buey”
SINOPSIS
Auri Sacre Fames: El Entierro del Buey es una performance que surge de una investigación histórica y de la relación autobiográfica del artista, cuya familia, procedente del entorno rural, criaba bueyes. A finales del siglo XII, una ruta terrestre conectaba el Recôncavo Baiano con las regiones del sertão minero. Los vaqueros recorrían más de 1500 kilómetros para abastecer las zonas de minería con carne. Miles de bueyes atravesaban esta ruta hasta que, en el siglo XVIII, la corona portuguesa prohibió el trayecto. Los historiadores destacan que la extracción de oro en Minas Gerais habría sido imposible sin el suministro de carne procedente de Bahía, esencial para alimentar a las poblaciones de las áreas mineras. La carne del buey garantizó la continuidad de la minería: sin carne, no habría oro. El intenso sacrificio de bueyes en las regiones auríferas dejó los suelos llenos de huesos.
Esta historia dio origen a una leyenda en las Gerais: un buey no enterrado es un buey que sigue vagando. La performance investiga esta leyenda y la historia detrás de ella, explorando las conexiones entre la memoria, la explotación económica y el impacto cultural que estas actividades dejaron en las regiones mineras.
BIOGRAFIA
Originario de la región rural del Vale do Rio Doce (MG). Su producción está guiada por las dimensiones ambiental, social y mitológica de los territorios que habita. Artista multimedia, actualmente cursa una maestría en Artes Visuales en la (EBA/UFMG). Ha participado en diversas exposiciones, tanto nacionales como internacionales, destacándose ‘Proximity and Distance’ en el Goethe Institut en Nueva Delhi/India (2022), ‘Artista de Artista’ en la Galería Luisa Strina (2023), ‘Sonoridades de Bispo do Rosário’ en el Museo Oscar Niemeyer (2024) y ‘Abre Alas’ en la Galería A Gentil Carioca (2024). Fue galardonado con el XVI Premio Funarte Marc Ferrez (2021) y el 4o Premio Décio Noviello de Fotografía (2023).
Fue seleccionado para el 9o Premio Nacional de Fotografía Pierre Verger (2023). Participó en el programa de Residencia del Museo Bispo do Rosário/RJ (2019) y en la residencia de creación en Labanque – Centre de Production et de Diffusion en Art Contemporain, en Béthune/Francia (2022).
JULI PUCH
Captura de “Anonymous Confession/Confesión Anónima”
SINOPSIS
Confesión anónima es una confesión de amor postpornográfica, es la revelación de un profundo secreto, alojado en la incapacidad de poder comunicar un amor que permanece a lo largo de los años. Este cortometraje es también el registro audiovisual de la producción en serie de máscaras de cera depilatoria con la que la artista trabaja produciendo obras plásticas. Un cortometraje que pretendía ser tan solo un registro de performance, grabado en la cocina de la casa de Juliette, pero que por necesidad se transformó en la posibilidad de hacer catarsis, a la espera de una noticia que la artista espera escuchar por parte de un amigo con el que comparten un silencioso pasado.
BIOGRAFIA
Juli Puch (35 años) Artivista cuir multidisciplinaria, mostra performática, performer creadora de mundos eróticos. Actriz titulada de la Universidad Nacional de las Artes y estudiante en proceso de elaboración de Tesis de la Maestría de Teatro y Performance de la misma universidad. Chilena radicada en Buenos Aires desde 2010, es coreógrafa e intérprete de la cooperativa chilena-argentina de artes escénicas La Fuga desde hace 9 años. Directora de Acuario de Sirenxs y Archivos Eróticos, performances eróticas colectivas devenidas de talleres y laboratorios de investigación de arte erótico. Investigadora académica en porno y posporno a través de la fotografía, el video y la performance art. Sus cortometrajes experimentales Baño de mar a medianoche y Confesión anónima se encuentran girando por circuito de festivales internacionales al igual que VILLANAS, performance erótica en 3 actos que está próxima a ser exhibida en Bélgica. Es miembro activo de la comunidad Ballroom Buenos Aires en donde explora la categoría Sex Siren a través de talleres, laboratorios y un documental en proceso de creación que fue seleccionado para tener tutorías en el lab. Excéntrico en enero de este año 2024. Directora y curadora de LA ONCE, merienda y porno, y docente del taller Sexy Popurrí, taller laboratorio de prácticas escénicas y audiovisuales con contenido erótico.
La MUESTRA VIRTUAL 2024 permaneció publicada desde el 2 de Noviembre 2024 al 2 de Febrero 2025
JURADO
Jazmín ra (CL)& hester draycott (uk-cl) /
Diana soria (MX) / monica galvÃo (BR) / Alejandra Dorado (Bo)/ víctor martínez (mx)
CRONOGRAMA DE ACTIVIDADES VIRTUALES + PRESENCIALES 2024
DEL 2 AL 12 DE NOVIEMBRE DE 2024 CON-FIANZA y DES-a-FÍO (el corazón está en perfecto estado de creación) SUPERVIVENCIA en
Conversas CONTINGENTES: RUTH VIGUERAS BRAVO, Dos miradas, tres registros, MÉXICO
presentación de libro de Ruth Vigueras Bravo